安格尔笔下的纯净与优雅,安格尔作品_安格尔泉
分类:历史人物

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔是法国新古典主义画家、美学理论家和教育家,擅长肖像画,代表作有《泉》《大宫女》《土耳其浴室》等,曾获得罗马大奖、黄金桂冠等荣誉。安格尔生于法国朗格多克省蒙托邦,年少成名,深深崇拜拉斐尔,也是古典主义的代表人物,为此与浪漫主义产生了激烈的斗争。1867年,安格尔病逝巴黎,享年87岁。人物经历图片 1安格尔作品 1780年8月29日,生于蒙托邦,他的父亲约瑟夫·安格尔是蒙托邦皇家美术院院士,母亲是皇宫假发师的女儿,从小受到良好的艺术熏陶。 1786年,安格尔被父亲送入教会学校学习。 1791年,进入图卢兹学院学习美术。 1793-1796年,充当乐队小提琴手。安格尔为了减轻家庭负担,在图卢兹剧院乐队充当第二小提琴手。 1797年,安格尔来到巴黎,进入新古典主义大师达维特的画室,成绩突出。 1799年,考入美术学院油画系; 1801年,以《阿伽门农的使者》一画获罗马大奖。 1805年,他在巴黎结识了司法官里维耶一家,创作了《里维耶夫人像》。 1806-1820年,在罗马学习、创作和工作。 1820年,迁到佛罗伦萨,接受了大批肖像画的订作; 1824年,在法国展出《路易十三的誓愿》,受到官方赞扬。同年,在巴黎开办自己的学校。 1825年,被选为皇家美术院院士。 1835-1841年,担任罗马法兰西学院院长。 1835年,再次回到罗马,创作了一系列肖像素描和油画; 1841年,回巴黎,继续创作多幅巨作 1856年,象征“清高绝俗和庄严肃穆的美”的最杰出的作品《泉》的诞生,标志着安格尔艺术达到光辉的顶峰。 1863年,蒙托邦市赠予他黄金桂冠。 1867年1月14日,因肺炎卒于巴黎,享年87岁。安格尔的主要作品图片 2安格尔作品 安格尔的绘画作品有:《阿伽门农的使者》《里维耶夫人肖像》《拿破仑一世在皇座上》《瓦平松的浴女》《土耳其浴女》《朱庇特与海神》《大宫女》《保罗与弗兰西斯卡》《路易十三的誓愿》《荷马的礼赞》《贝尔登像》《莫特西埃夫人》《泉》等。 著作:《安格尔论艺术》。 安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式,他善于把握古典艺术的造型美,把这种古典美融化在自然之中。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风,画法工致,重视线条造型,尤其擅长肖像画。在具体技巧上,“务求线条干净和造型平整”,因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅,尤其突出地体现他的表现人体美的一系列绘画作品中。安格尔素描 安格尔本人是首屈一指的素描大师,因而对造型的把握上显示出异常的得心应手。 安格尔的素描作品好在:造型严谨,线条精细,气质优雅。按照他自己的话说:“素描是真正的艺术”。他十分重视素描,在作品中着眼于线路和素描关系的悉心研究,他善于把握古典艺术的造型美,把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格,始终以温克尔曼的“静穆的伟大,崇高的单纯”作为自己的原则。 在具体技巧上,“务求线条干净和造型平整”,因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅,这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中,他的油画突出表现在有严谨的素描关系和形体结构。人物评价图片 3安格尔作品 安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔,和大卫一样捍卫古典法则,但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣,因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。 安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前,先学习了自然。他曾断言:“希腊人就是自然;拉斐尔之所以是拉斐尔,就是因为他比别人更了解自然。”不过,安格尔并不能完全放弃明暗的处理,他还使用很强的,鲜艳得过分而不真实的颜色,以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下,我们看安格尔的画通常会有这样的感觉:线条画得太干净了。正是这种线条的干净把安格尔引向抽象,会使画面毫无内容,但为了表现明暗和反射,他也会把线条打断,使之带有“绘画性”,可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中,却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。当他的线条变得过于准确时,他就以细节来压倒它,画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时,那简直就是拉斐尔,这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后,他又完善了自己的绘画风格,越来越多的杰作出现了,他的艺术也到达了鼎盛期。

画家安格尔是19世纪新古典主义的代表人物。在艺术史上,他最为人所称道的,是笔下的裸女,单纯而高贵。他创造了纯净优雅的美学之一,到现在,我们依然没有停止对这种美学的追问。

中文名称:让·奥古斯特·多米尼克·安格尔

近日,《安格尔的巨匠之路——来自大师故乡蒙托邦博物馆的收藏》展览在杭州浙江美术馆举行,70件展品成为通向大师完整心灵的一扇窗口。在其家乡,法国蒙托邦安格尔博物馆现存4500余幅素描、二十几幅油画真迹、全部艺术藏书、部分家具(扶手椅、画架、办公桌等)、包括小提琴在内的个人用品,以及大约五十套版画、素描及老照片、其学生的临摹作品和各种草稿。基于丰富馆藏,现任安格尔博物馆长弗洛朗斯·维吉耶-杜泰伊为展览撰文《蒙托邦的安格尔珍品》,详细介绍了艺术家的人生与艺术经历,“澎湃新闻·艺术评论”经授权刊发,分两期刊载,标题为编者所加。

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean Auguste Dominique Ingres,1780年8月29日-1867年1月14日),出生于法国蒙托邦(Montauban),新古典主义画家、美学理论家和教育家。

安格尔与故乡蒙托邦

外文名称:Jean Auguste Dominique Ingres

永远的安格尔

自小父亲就培养他对艺术的兴趣,那时,他很热衷追求原始主义。由于他用功、认真,17岁的安格尔已是一个非常好的画家了。当时,达维特正担任拿破仑的首席画师。1834—1841年,他再度赴罗马,深刻地研究了文艺复兴时期义大利古典大师们的作品,尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和义大利古典传统的教育,安格尔对古典法则的理解更为深刻,当达维特流亡比利时之后,他便成为法国新古典主义的旗手,与浪漫主义相抗衡。

“我真想放弃现在拥有的一切,回到蒙托邦去安享人生,隐姓埋名,放松自己,总之,去自由呼吸。”

国 籍:法国

在开始探索蒙托邦的安格尔宝藏之前,有必要在此重新介绍画家在后世眼中略显矛盾的职业生涯:一方面,他专注于通过教学传承自己不容置疑的主张,另一方面,他又完全没有意识到自身所拥有的那种能穿越时光,直抵未来几代人的能力。在一个尚不存在“先锋”这一概念的时代,他愿做一个“革命者”,于是,对于自己能为艺术做些什么,他雄心勃勃的理想是:以鲜活的眼光看待过去。他曾过眼和上手的艺术品大约有15000件,正是因为安格尔“看”了这么多,品味了这么多,消化了这么多,他才能以自己的方式,像毕加索说的那句著名的话那样,“用绘画来绘画”,而他的作品也才能承载他之前的全部历史。因此,他才能作为现代人眼中“画家”的杰出代表,与现代人进行可能的持久的对话。也正是这样,几十年以来,他的绘画艺术一直在那里,为其他艺术家如饥似渴地效仿。

1808年,安格尔创作了著名的《瓦尔品松浴女》,这个被后世奉为裸体背影经典的形象健康、丰满、洋溢位生动而毫无任何淫亵的成分。

1841年,60多岁的画家安格尔,在给他家乡友人吉里贝尔的一封信中,这样写道。当时,这位艺术家早已功成名就,是法国巴黎上流社会竞相邀请的贵宾。

出 生 地:法国朗格多克省蒙托邦

安格尔其人

安格尔强调绘画必须重视骨骼,而肌肉远在其次,他以为肌肉绘制得过分精确会成为造型纯真的最大障碍,甚至会造成独特构思的浪费使作品平庸化。这是发前人所未想的重要美学理论,1814年他应卡萝琳皇后的邀请创作的《大宫女》就是这种理论的最好佐证。安格尔故意拉长人物的腰身,这种「没有骨头」的变体增强了裸体特有的妩媚感。另外色彩的调配显得平和稳定、独具匠心,以至有人称威尼斯画派无一人能够企及。

图片 4路易·卡巴奈斯(1867

出生日期:1780年8月29日

安格尔完全与他所处的时代融为一体,又能够经常走在时代前面,所以即使人们想将他封闭在古典主义和浪漫主义之间的刻板分类中,也未能如愿。今后人们对这位艺术家地位的看法不会有明显的不同,而在历史上他的同时代人的看法却是非常矛盾的,经常把他形容为一个缩在法兰西学院院士服里的冷冰冰的人,而实际上他是一个极其敏感的画家,终其一生都在探索他的艺术。他是油画家,也是素描画家、演奏家和音乐迷,还是古希腊—罗马艺术和意大利文艺复兴艺术的“行家”和收藏家,与他所接触的考古学家一样博学。虽然作为理论家略显平庸,但依然是受人尊敬的教授,院士,是在艺术界具有影响的人物。这样的他一直过着平静的生活,尽管其创作曾给他带来烦恼和痛苦。此外,超长的寿命(87岁)也让他历经时代沧桑,从出生的路易十六统治时期直到逝世时(1867)已走向末日的第二帝国,他与一生中的所有政治动荡都相安无事。

安格尔崇尚自然,代表他最高成就的裸体创作通常不事雕琢,是自然形象洗练化与古典造型理性的完美结合。他笔下的裸女没有思想、没有信仰、没有任何时代的成分(《维纳斯》,实际是他夫人的画像),完全是画家纯粹的艺术创作。《泉》是他最负盛名的作品,是他于1820年在义大利期间作为习作开始的,1856年才在巴黎完稿,据说原名是《维纳斯》,但画家经过数十年的世俗漂泊,修改了少女脚边的小天使,把整理秀发改为倒倾水瓶,使之成为一幅具有古典主义象征意义的名作。或许安格尔在寄托对青春的无限眷恋--少女充满活力的胴体正像她脚边的那朵含苞欲放的雏菊,散发著长久的魅力,给人以宁谧的思绪、无尽的隽永。少女是画家衰老年岁的产儿,她的美资超过了所有的姐妹,集中了她们的美于一身。安格尔的艺术形式美是成功的,他笔下的裸体屏弃了一切非自然的成分,因而她们的美是可供任何时代膜拜的典范。

  • ?),贝尔丹先生肖像(临摹卢浮宫博物馆收藏的安格尔画作),1897年前后 ,布面油画 114 x 92厘米 ,MID.897.3 - 国家托管,1904年

逝世日期:1867年1月14日

研习时期:巴黎(1797—1806)

在80年的创作生涯中,他孜孜以求地在艺术道路上实践著自个的理想,勤于创作,留下了丰富的艺术遗产;他重视培养学生的观察能力,强调绘画基础的训练,制订了一系列为学院派奉为圭臬的古典主义原则。

然而对于一切名望,他似乎早已淡然。他对家乡有着复杂而纠结的情感。虽然在给友人的亲密书信中,他不断表达思乡心切。但他漫长的一生,很少回到家乡,只有一次,为了护送给故乡大教堂创作的《路易十三的祈祷》,他才回到蒙托邦小住几日。

职 业:画家

在法国西南部的图卢兹和蒙托邦度过童年,并跟随父亲接受最初的教育之后,安格尔来到巴黎,进入了当时十分时髦的新古典主义大画家大卫的画室。大卫正在创作其著名的古希腊主题作品《劫夺萨宾妇女》,这种追根溯源至古罗马艺术之前的尝试肯定深刻影响了年轻的安格尔,他跟随大卫如饥似渴地学习。大卫的两组学生——他将他们分别命名为“大胡子”和“贵族”,前者推崇古代美学,后者则推崇中世纪艺术——以他们的艺术理论滋养了安格尔,同时鼓励他欣赏古希腊陶罐上的几何图案,而这成为他此后终生的爱好。

安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔,和大卫一样捍卫古典法则,但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣,因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。

1780年,安格尔出生于蒙托邦,一栋位于穆斯蒂埃城厢街50号的普通住宅楼里。如今,这栋楼早已不复存在,为了纪念这位大师画家的诞生地,后来的政府在原址新建的房子上,镶上了一个纪念铭牌。

毕业院校:图卢兹学院美术学院

图片 5J-A-D·安格尔(1780-1867)《阿伽门农的使者》,1801年。

安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前,先学习了自然。他曾断言:「希腊人就是自然;拉斐尔之所以是拉斐尔,就是因为他比别人更了解自然。」不过,安格尔并不可以完全放弃明暗的处理,他还使用非常强的,鲜艳得过分而不真实的颜色,以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下,我们看安格尔的画往往会有这样的感觉:线条画得太干净了。正是这种线条的干净把安格尔引向抽象,会使画面毫无内容,但为了表现明暗和反射,他就会把线条打断,使之带有「绘画性」,可是在这种有如金属一般坚硬的「绘画性」中,却没有一般「绘画性」所必不可少的那种流畅和「灵魂」。如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。当他的线条变得过于准确时,他就以细节来压倒它,画上一堆纯属低阶的趣味的装饰物。但当他模仿提香时,那简直就是拉斐尔,这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后,他又完善了自个的绘画风格,越来越多的杰作出现了,他的艺术也到达了鼎盛期。

图片 6让-奥古斯特-多米尼克•安格尔(1780-1867) 椅子上的圣母(模仿拉斐尔) 纸上石墨和擦笔画 19.5 x 25.5厘米 MI 867.825 –安格尔遗赠,1867年

主要成就:罗马大奖、黄金桂冠、荣誉军团骑士

此外,自1800年起,安格尔开始参加难度非常高的罗马大奖赛,这也是获得重要订单最光荣的一种途径。他是怀着仿效古代艺术的激情进行比赛创作的。在参赛的第二年,他凭借《阿伽门农的使者》(1801年,巴黎,国立高等美术学校)赢得大奖,这幅作品的构图和人物姿态显示出安格尔对古代人物形象(如出现在安格尔的《尤利西斯》中的梵蒂冈的福基翁)的精准掌握和他对荷马作品的完美解读。然而,由于时局动荡,经费短缺,他直到1806年才得以前往永恒之城。

安格尔父亲是一位装饰雕塑家,蒙托邦皇家美术学院的院士,他对古典主义美术和音乐有着深厚的修养,这也深深影响了安格尔。安格尔作为家中长子,深受父亲喜爱,在父亲的指导下,安格尔从小临摹鲁本斯、 华托等大师的绘画作品。安格尔身上的艺术天赋,也早早被父亲发掘。

代表作品:《泉》《大宫女》《土耳其浴女》

这五年的时间,安格尔就用来继续琢磨自己的技艺,他在嘉布遣修道院内的一间画室里安下身来,经常流连忘返于卢浮宫,同时刻苦练习临摹。他也接受过几个油画订单,如《任第一执政官时的拿破仑·波拿巴一世画像》(1804年,列日博物馆)和里维耶家族三位成员的画像(1806年,卢浮宫博物馆),后者是令人赞叹的肖像组画。在其中的《里维耶小姐》这幅描绘13 岁少女的肖像画中,安格尔将线条与造型韵律以科学的方法完美结合,使这幅油画在后世几代人中获得巨大成功。

少年崭露头角

安格尔——古典主义的卫道者

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean Auguste Dominique Ingres,1780年8月29日-1867年1月14日),出生于法国蒙托邦(Montauban),新古典主义画家、美学理论家和教育家。

自小父亲就培养他对艺术的兴趣,那时,他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真,17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时,达维特正担任拿破仑的首席画师。1834—1841年,他再度赴罗马,深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品,尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育,安格尔对古典法则的理解更为深刻,当达维特流亡比利时之后,他便成为法国新古典主义的旗手,与浪漫主义相抗衡。

安格尔出生在南法城市蒙托邦,是19世纪新古典主义代表人物。他与老师大卫一同将法国古典主义推向了顶峰。据说,少年时的安格尔曾被一幅拉斐尔的摹本感动到热泪盈眶。这次经历对画家今后的成才究竟有多大影响早已不得而知,但纵观安格尔一生,古典主义已然成为画家纯粹又固执的坚守。

作为19世纪新古典主义的代表,安格尔代表着保守的学院派,与当时新兴的浪漫主义画派对立,形成尖锐的学派斗争。安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式,他善于把握古典艺术的造型美,把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格,始终以温克尔曼的“静穆的伟大,崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风,画法工致,重视线条造型,尤其擅长肖像画。在具体技巧上,“务求线条干净和造型平整”,因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅,这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中,如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。“里维耶夫人肖像”1805年,安格尔完成了“里维耶夫人肖像”一画,这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起,色彩显示著形体,带有某些起伏的暗示,但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出出来,组成画面的受光部分,深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入黑色的背景。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出,但是它“独特的、革命的、哥特式的”风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后,安格尔去了意大利,在那时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画,目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平和改造当时的绘画。安格尔曾说过:“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术,就其基础而论,有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。

图片 7J-A-D·安格尔(1780-1867)《J-F·吉里贝尔肖像》,1804 年,蒙托邦,安格尔博物馆。

在他11岁的时候,父亲就带着他离开家乡,去往图卢兹的艺术学院学习。那时期,安格尔专心临摹了拉斐尔画的圣母像,他回忆起当年的求学经历:“当老师从佛罗伦萨带回《椅中圣母》的临摹本 , 我热泪盈眶,茅塞顿开。” 拉斐尔为他打开了新的艺术世界。

图片 8J-A-D·安格尔(1780-1867)《巴托利尼肖像》,1805 年,蒙托邦,安格尔博物馆。

图片 9让-奥古斯特-多米尼克•安格尔(1780-1867)罗杰解救天使 1841年 布面油画 54 x 46 厘米(椭圆形) MI.844.1 - 蒙托邦市于1875年购入

他的《二十四岁自画像》(1804年,尚蒂里,孔代博物馆;参见阿尔芒·冈蓬临摹作品,蒙托邦,安格尔博物馆)和他父亲的画像(1804年,蒙托邦,安格尔博物馆)也创作于同一时期,后者反映出18世纪对画家的影响。《吉里贝尔》和《巴托利尼》这两幅画像(1805年,蒙托邦,安格尔博物馆)则与佛罗伦萨画派遥相呼应。

安格尔17岁时,在父亲和老师的鼓励下,来到位于巴黎的新古典主义大师大卫的画室深造,随身带着一封老师们签名的推荐信:“这位前途光明的年轻艺术家,将凭借其掌握的过人才能为家乡争光。”

意大利:初次旅居与首批作品(罗马,1806—1820)

图片 10《泉》1856,163X80cm,布面油画,巴黎,卢浮宫藏

1806年,当安格尔终于来到罗马的时候,罗马大奖的获奖者们都被安排在拿破仑不久前购置的梅蒂奇别墅里居住。安格尔在那里一直住到1810年。他首次罗马之旅的最大收获,是第一次亲眼看到了拉斐尔绘画和意大利文艺复兴时期绘画的原作真迹,从而给他一生的创作风格打上印记。他立即投入创作,自1807年起相继完成了他最美的肖像画中的两幅:一是《杜沃赛夫人肖像》(尚蒂里,孔代博物馆),这幅作品中面部和扶手椅反复出现的线条韵律在今天仍然令人着迷;另外一幅则是他的友人、风景画家戈拉奈的画像(艾克斯,戈拉奈博物馆),画中的戈拉奈站立在雷雨将临的天空下,充满浪漫主义的情调。

果然不负所望,三四年之后,20岁的安格尔斩获了当时的艺术大奖 “ 罗马奖 ”。 随后,他来到意大利的佛罗伦萨居住,潜心学习古希腊古罗马文化,并接受了大批肖像画的定制。不久之后,他被选为皇家美术院院士,并担任罗马法兰西学院院长,继续创作多幅巨作。1856 年,象征着“清高绝俗和庄严肃穆的美”的著名作品《泉》 诞生了,标志着安格尔艺术达到光辉的顶峰。

之后便是从罗马寄往巴黎的一系列作品,也就是别墅的居住者们为证明自己的进步而完成的作品。首先是两幅裸体画像,一幅画的是一位女性:《浴女背影》,又称《瓦平松的浴女》(1808 年,卢浮宫博物馆),瓦平松是这幅作品主人之一的名字。尽管这样的主题此后反复出现在安格尔的作品之中,画中女子背部的简洁线条和微妙光影还是在很久以后才为世人所理解。另外一幅1808 年的作品则是神话题材的裸体画像《俄狄浦斯和斯芬克斯》(卢浮宫博物馆)。足以令人吃惊的是,安格尔早期的裸体画像,包括《半身浴女像》(1807年,巴约讷,博纳博物馆),之后的《大宫女》(1814 年,卢浮宫博物馆)——这幅画为米拉家族而作,是《那不勒斯的睡女》(1808年,去向不明)的姊妹篇,还有《罗歇解救天使》(1819年,卢浮宫博物馆,见蒙托邦版本),并未得到法兰西学院成员、评论家和安格尔的同行们的好评,他们认为这些作品冷漠、蹩脚和古怪。

为何执着于裸女、美背?

图片 11J-A-D·安格尔(1780-1867)《朱庇特和忒提斯》1811 年,蒙托邦,安格尔博物馆。

安格尔算是艺术史上最喜欢画裸女、美背的艺术家之一了。《泉》是他一生 追求古典与永恒美的巅峰之作。

别墅内的学生们还要练习创作巨幅作品,而戈拉奈博物馆(艾克斯)的《朱庇特与忒提斯》正是在此背景下于1811年绘制的。这幅作品是对古代艺术,即对古希腊陶器和古罗马雕塑为代表的古代艺术的致敬,在当时却并不被同代人看好,因为他们无法理解作品散发的有意为之的古代气息。

画面中,曼妙少女举罐倒水,向上的手臂,美丽柔缓的曲线,微倾的S型腰身,一侧是流淌的泉水,少女身体袒露却双目清纯,呈现了一种清高绝俗和庄严肃穆的美。《泉》也是西方美术史上描写女性人体的优秀作品之一。

图片 12J-A-D·安格尔(1780-1867)《玛德莱娜·夏贝尔肖像》,1814 年,蒙托邦,安格尔博物馆。

图片 13《大宫女》1814年,91X162cm,布面油画,巴黎,卢浮宫藏

图片 14J-A-D·安格尔(1780-1867)《奥西昂的梦》,1813 年,蒙托邦,安格尔博物馆。

安格尔画女性裸体,喜欢表现身体曲线的柔美。除了这幅著名的《泉》之外,他创作的《大宫女》、《土耳其浴女》也都表现了女性的身体之美,有学者说他是 “ 拜倒在女性面前创作的真正艺术家 ”。

安格尔的第一批画作在法国不受欢迎,每一件寄来的作品都会引来雪崩般的批评,有时还很严苛。因此,1810年,在梅蒂奇别墅的访问学习结束后,他决定不回巴黎,留在意大利,并于1813年在那里与从盖雷赶去见他的年轻貌美的经营女子服饰的玛德莱娜·夏贝尔结婚。这一时期,他接到了包括《奥西昂的梦》在内不少拿破仑皇室的订单。在同一时期,安格尔将自己的素描肖像画技艺锤炼得炉火纯青。安格尔的素描肖像画,跟他的油画肖像画一样,受到居住在罗马的法国和英国有产阶级的青睐,使得他能够应付刚刚建立的小家庭的开支。然而,对于以油画画肖像,他却说这“妨碍了他做大事”。

图片 15《土耳其浴室》1862年,108X110cm,布面油画,巴黎,卢浮宫藏

尽管安格尔对此类创作一直持犹疑态度,但友人们都争相跑到安格尔的画室,让他为自己画像。然而,帝国的衰落,经济上的困难,以及疾病的困扰,导致生意红火的时期很快结束,并在接下来的几年中,使安格尔的生活陷入了更困难的境地。同样是在罗马,安格尔开始将兴趣放在历史或文学题材的油画上,被称为“游吟诗人”体,是约瑟芬皇后鼓励的一种时尚。自1813年起,他计划创作一个油画系列,以反映他崇拜的偶像拉斐尔一生的各个阶段。

作品《大宫女》,不以史实或神话故事为依托,是艺术史上第一幅单纯的表现女性之美的裸体画。画面里的主角是一位在奥斯曼帝国王室后宫中充当奴隶的女子。画中全裸的大宫女,斜倚着靠垫横贯画面,在华丽的帷幕和褥单的衬托下,典雅迷人。周围的窗帘、香炉、烟斗,宫女的饰品、头巾给这幅作品蒙上了一种异国情调。

佛罗伦萨(1820—1824)

“高贵的单纯,静穆的伟大”

1820年,安格尔听从他的朋友,佛罗伦萨雕塑家巴托利尼的建议,离开罗马,前往佛罗伦萨。他在此历时三年,全身心地投入到大型创作计划《路易十三的祈祷》之中。这幅油画是法国政府通过派驻蒙托邦的行政长官,为其家乡的大教堂向他订制的。人们至今仍然可以在这里欣赏到他的作品。在这一时期,安格尔还临摹了拉斐尔的一些画作,尤其是拉斐尔的圣母像,从为蒙托邦创作的油画中圣母的面部明显可以看出拉斐尔的影响。这幅作品亮相1824年的沙龙展后受到各方一致好评,包括以德拉克洛瓦为旗帜的年轻的浪漫主义画派。德拉克洛瓦也于当年展出了他的《希阿岛的屠杀》。此外,1823年,同样是在佛罗伦萨,安格尔还为两位富有的赞助人,雅克- 路易·勒布朗和其夫人弗朗索瓦丝·庞塞勒(娘家姓)创作了画像(纽约,大都会艺术博物馆)。

为了强调女性身躯的优美曲线,安格尔刻意拉长了宫女的手臂和躯干。对于裸女的背部线条,评论家德·凯拉特里曾说:“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”据说,1819年,当安格尔把这幅画送到巴黎沙龙展出时,观者惊讶不已。

荣归巴黎(1824—1834)

图片 16安格尔(1780-1867),夏娃(临摹自梵蒂冈展厅拉斐尔画室的作品) 近1809 年,布面油画91.1cm× 56cm

受到此次成功的鼓舞,安格尔决定返回巴黎。三年后,即1827年,他为卢浮宫创作了一幅天顶画《荷马礼赞》,获得了同样热烈的反响,现在还展示在离德拉克洛瓦的作品《沙尔丹纳帕勒之死》不远的地方。这一时期,安格尔荣誉傍身。他于1825年当选法兰西艺术院院士,除了在巴黎高等美校授课外,还在今天的维斯孔蒂路开设了一间私人画室。在巴黎的这几年,他创作了多幅画像,其中包括风度优雅的《巴斯多莱侯爵肖像》(1823—1826年,芝加哥,艺术学院)和强势逼人的《贝尔丹先生》(1832年,卢浮宫博物馆),后者集中体现出画家最新的美学追求:他重新为简洁和凝聚效果所吸引,以为如此可以更好地反映绘画对象的心理特点。

安格尔的裸体画无视人体结构的真实性,更在意完美的形态和优雅的曲线。波德莱尔认为 :“安格尔画中的美丽女性有着一种宁静又充满生机的高贵之美, 这是他成功和值得骄傲的地方。”难得的是,他笔下的女性裸体,画的是现实里的人物,但却高贵典雅,毫不色情,有一种纯净优雅、楚楚动人之美。

然而,对安格尔而言,1830年代最重要的工程就是要完成《圣-桑福里安的烈士》这幅他平生最大的画作。这件作品是由圣·拉扎尔欧坦大教堂订制的,在经过长达数年的准备工作后,于1834年最终完成。但不幸的是,作品的戏剧张力,以及在公众看来与古代典范和拉斐尔相去甚远的现实主义风格,并不让人喜欢。安格尔对充满敌意的反响十分失望,产生了再次离开巴黎的念头,他申请了罗马法国学院院长的职位,并于第二年赴罗马履职。

蒙托邦博物馆送藏品来中国

二次旅居罗马(1835—1841)

安格尔出生于法国蒙托邦,去世后,他把自己的近 4500 幅素描和个人收藏悉数捐给了家乡。这一次,来到中国的“安格尔的巨匠之路——来自大师故乡蒙托邦博物馆的收藏”展,展出的作品均来自安格尔故乡的蒙托邦博物馆,包括安格尔的素描、油画及草稿作品45幅。

在担任法国学院院长期间(1835-1841),安格尔极少进行创作,精力主要用于梅蒂奇别墅的管理和修复工作,值得一提的是建立了图书馆,并设立了考古学课程。心系艺术教学的安格尔为巴黎高等美术学校精心挑选了可复制的古代艺术作品模型,并让自己的两个学生——巴勒兹兄弟到梵蒂冈临摹拉斐尔的壁画。

图片 17勒迈尔 - 普桑(1612-1688),风景与古迹,布面油画,132cm×102cm MI.867.9 – 安格尔遗赠,1867 年

不过安格尔在这一时期还是创作了两幅名画:一幅是1839年为朋友马尔考特创作的《女奴》(剑桥,佛格艺术博物馆),另一幅是奥尔良公爵订制的《安条克与斯特拉托尼丝》(1840年,尚蒂里,孔代博物馆)。前者继续体现了安格尔在美化情欲方面的天赋,后者则反映出画家对古希腊的热爱。安格尔一生痴迷于来自普鲁塔克作品的这一主题(即“安条克与斯特拉托尼丝”),从其最后的蒙彼利埃版本(1866年)就可以看出这一点。为未来沙皇创作的第一幅《圣体前的圣母》(1841年,莫斯科,普希金博物馆)和安格尔欣赏的音乐家《凯鲁比尼肖像》(1842 年,卢浮宫博物馆)也完成于这一时期。

除了安格尔本人的作品之外, 现场我们还能看到包括“ 法兰西绘画之父” 尼古拉斯·普桑(Nicolas Poussin,1594—1665)在内的数十位画家的作品,集中再现了法国 19 世纪“唯美的古典主义”的绘画成就。

重回巴黎(1841—1848)

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6年之后,安格尔返回巴黎,便投入到其职业生涯中规模少见的一次创作活动中:由吕伊纳公爵于1839年定制的荡石城堡内一间会客厅的装饰画。然而,在1847年,安格尔的妻子去世,使画家陷入此生最大的痛苦之中;1848年革命又迫使他在计划内的第一幅作品《黄金时代》还没有结束之时,就放弃了整个工程。保存于蒙托邦的数百张画稿是这漫长的探索研究岁月的证明。

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最后的作品(1848—1867)

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玛德莱娜·安格尔去世3年后,安格尔经朋友介绍与黛尔菲讷·拉迈勒结为夫妻。他的创作由此进入了一个新的活跃阶段,直到他离世。继《奥松维尔夫人肖像》(1845年,纽约,弗里克收藏馆)获得成功后,他又完成了一系列让人赞叹不已的女性肖像画:《坐着的保罗-希吉斯贝尔·穆瓦特西耶夫人像》(1856年,伦敦,国家美术馆)、《站着的保罗-希吉斯贝尔·穆瓦特西耶夫人像》(1851年,华盛顿,国家艺术博物馆)、《罗斯柴尔德男爵夫人肖像》(1848年,巴黎,私人藏品)以及《布罗格利公主》(1853年,纽约,大都会艺术博物馆),还有略逊于前几幅,完成于1852年,现存在蒙托邦博物馆的《更斯夫人画像》。1854年的《圣女贞德》和1862年创作的《耶稣与圣师们》(图15)反映出安格尔那几年在宗教绘画方面的雄心勃勃的程度。

图片 21部分展览作品

保存在蒙托邦的画作尽管明显受拉斐尔的影响,但还是体现了安格尔大胆的空间构思和色彩运用—就连马蒂斯都不否认这一点。

图片 22J-A-D·安格尔(1780-1867)《耶稣与圣师们》,1862 年,蒙托邦,安格尔博物馆。

人们常说,这一时期,安格尔与学生合作创作的作品越来越多,但任何人都知道,在创作他最著名的作品《土耳其浴室》(1859-1863年,卢浮宫博物馆)时,安格尔始终独立作画,没有别人的帮助,也没有使用活人作模特儿。这件作品与他最后一幅大型裸体油画《泉》(1856)一样,对后世产生了巨大的影响。

图片 23J-A-D·安格尔(1780-1867)《土耳其浴室》,1859-1863年,卢浮宫博物馆。

安格尔的荣耀

1867年1月14 日,安格尔在荣耀之中与世长辞。他漫长而辉煌的职业生涯将他创立的新古典主义与19世纪末的学院派结合了起来。他高超的技艺和对细节以及对衣物和首饰逼真程度的把握总能让关注和欣赏其画作的人叹为观止。然而,对他的一致认可则是在素描方面,人们视他为与达·芬奇和拉斐尔比肩的大师。

此外,虽然安格尔未能体会做父亲的乐趣——他与玛德莱娜唯一的孩子在出生时便夭折了,他却留下了一个不可磨灭的法语短语:“安格尔的小提琴”,意为一个人热衷的业余爱好。这个短语是在一次晚餐上由埃米尔·贝热拉(著名浪漫主义诗人泰奥菲尔·戈蒂耶的女婿,安格尔的朋友及其作品评论家)发明出来的,很快进入法国人的日常用语,并惊人地流传后世。

现代性主题、历史绘画、肖像画与裸体画

在其漫长的职业生涯中,安格尔涉足了除静物和风景外的各种主题和画种,然而并非其所有作品都受到公众同样的喜爱。后世的艺术家主要喜欢与他的肖像画和裸体画对话,其中的一部分也兴趣盎然地凝视他的历史题材绘画。历史绘画在安格尔看来,是非常重要的画种,他在这方面忠实于师承关系,不过应当承认,这类作品对于现在的安格尔爱好者们的吸引力不如他的其他作品。然而,安格尔正是在这方面施展了自己全部的才华,并极富创造性地进行了形式方面的探索,如同他在肖像画和裸体画方面所做的那样。但是在我们看来,他的大胆和天赋更多地表现在他所刻画的大量的人物肖像上。这些波德莱尔称之为“心灵之诗”的作品,让安格尔在世时便声名远播,尽管他感到过多的肖像画订单,就像压迫他的负担。无论是油画还是素描,这些肖像画是19世纪在法国和欧洲新的统治阶级崛起的反映,其成功的关键,在于构成了这一阶级人物的典型形象,而这些典型形象与其模特儿之间的相似就不重要了。

的确,安格尔一直游走于细节的真实和几何图形的使用之间,将人物面部置于纯粹抽象的结构中。然而,真正令安格尔偏爱,甚至让他痴迷的主题还是裸体。一方面作为独立的绘画类型,如画家创作的维纳斯、宫女和浴女画像;另一方面也作为其绘画的一个基本且必不可少的准备阶段。不过,这位《土耳其浴室》的作者对人体的迷恋却建立在一种矛盾的方法之上:对描绘一丝不挂的模特儿的热衷和对解剖学的厌恶。阿莫里-杜瓦勒就此曾提到,由于学生购买了一副骨架放在画室里,安格尔便拒绝进入画室。当画家只对骨架的畸变感兴趣,比如侧卧宫女的脊椎骨多了几节而使其背部延长,或天使的后颈过分扭曲,却为前颈平添了一丝性感,那么他还有什么必要遵守通过观察人体骨架学到的那一套呢?他正是依靠这种虚拟的人体吊起了观众的胃口,而不是满足他们难填的欲壑,这也是他创作中不可或缺的动力。那么,就由现代人来诠释《土耳其浴室》的作者想要暗示或终其一生试图掩饰的东西吧。

(本文作者系安格尔博物馆遗产管理负责人兼馆长,部分图片翻印自展览同名画册。)

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